La Cara del Rock.com.ar

Janis Joplin (19 de enero de 1943 – 4 de octubre de 1970), fue una cantante de rock and roll y blues caracterizada por su voz y su espí

ritu rebelde. Su nombre completo es Janis Lyn Joplin. Fue un símbolo femenino de la contracultura de los 60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del Rock and Roll. En 1995 ingresó al Salón de la Fama del Rock. En el 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas más grandes de todos los tiempos. En el 2008 la colocó en el lugar 28 de los mejores 100 cantantes de todos los tiempos.

Big Brother and the Holding Company

Cansada de esperar a LeBlanc y de ser una chica buena, se fue a San Francisco con Chet Helms, un productor que conoció en Texas. Se unió a la banda Big Brother and the Holding Company el 4 de julio de 1966, logrando una combinación perfecta. Fue Chet Helms el que la llevó a San Francisco con la oferta de que se uniese a ella, ya que Chet Helms era el mánager de la banda, con la que grabaría su primer álbum con discográfica, Big Brother and the Holding Company, que no pasó desapercibido. Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Solían actuar junto con otros grupos psicodélicos cómo The Grateful Dead, Jefferson Airplane, Quicksil

ver Messenger Service y The Charlatans en las famosas salas de danzas Avalon Ballroom, Fillmore East y Fillmore West, o con festivales al aire libre en el Golden Gate Park y en Haight-Ashbury.

Actuó con su banda en el Festival de Monterey de 1967 junto con algunos grandes artistas del momento cómo Jimi Hendrix, The Mamas and The Papas, Jefferson Airplane, Otis Redding y The Who entre otros. La primera actuación de los Big Brother no fue filmada y les pidieron que tocasen al día siguiente, así que tocaron Combination Of The Two, y Janis dejó a la audiencia boquiabierta con una versión del emblemático blues de Big Mama Thornton, «Ball And Chain».

A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossman. Joplin eclipsaba a los Big Brother. En la primavera de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. Aquella combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa y Cheap Thrills salió en agosto de 1968. Lanzando a Janis al éxito, a los tres días se hizo disco de oro y en el primer mes se vendieron más de un millón de copias. En el 2003, Cheap Thrills se colocó en el lugar 338 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.[4]
Las críticas sobre ella fueron muy buenas, y la prensa se empezó a centrar más en ella que en el grupo, todos le decían que ella era demasiado buena para el grupo, había tensión entre ellos a causa del protagonismo de Janis y la fama, y ella quería hacer un estilo más blues y soul, como las cantantes que veneraba, entre ellas Bessie Smith, Billie Holiday o Aretha Franklin, así que después de mucha presión por parte de su manáger, Albert Grossman, se marchó de Big Brother and the Holding Company.

Kozmic Blues Band

Juntos se pusieron a buscar los mejores músicos del país para crear el nuevo grupo. A principios del 1969 ya estaba creado, aunque los músicos variarían a lo largo del año. Se llevó con ella al guitarrista Sam Andrew de Big Brother and the Holding Company. Con su nueva banda, “Kozmic Blues Band”, salió su segundo disco, I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama!, que sonaba distinto a lo que sus oyentes estaban acostumbrados: era una mezcla de rock, soul y blues, y recibió malas críticas, la revista Rolling Stone la denominó la “Judy Garland del rock”.

En abril, Janis y la Kozmic Blues Band fueron de gira por Europa, pasando por Frankfurt, Estocolmo, París, Londres, y algunos lugares más, donde el público la acogió muy calurosamente y ella regresó a E.E.U.U. muy contenta, diciendo que el mejor concierto que había dado en su vida fue en Londres, donde la audiencia se volvió loca.

En ese año, a causa de la presión, se enganchó a la heroína y comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida y de sus sentimientos. Decía que “hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola…” Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína pero sin embar

go se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.

El 16 de agosto de 1969 actuó con enorme éxito en el festival de Woodstock, dónde realizó dos repeticiones de, «Ball And Chain» y Piece of My Heart.

Pero los músicos de la banda eran sólo profesionales, y Janis quería que su banda fuese como una familia, como en Big Brother, y con el único que acabó conectando fue con el saxofonista Cornelius “Snooky” Flowers. A finales del 1969 Janis estaba ya destrozada y demasiado enganchada a la heroína y al alcohol, así que decidió tomarse un descanso y abandonar la banda. A finales de 1969 la banda se separó. Su último concierto fue en el Madison Square Garden en Nueva York en la noche del 19 y 20 de diciembre de 1969.
En febrero de 1970, se fue de viaje con una amiga a Río de Janeiro por carnaval, a desintoxicarse, por lo menos, de la heroína. Una vez allí conoció a David Niehouse y se enamoraron, estuvieron unos meses por la selva de Brasil viajando como dos viejos beatniks en la carretera y al volver a San Francisco, David se instaló en casa de Janis.

Full Tilt Boogie Band

Una vez allí, Albert Grossman, le propuso a Janis una nueva banda, la Full Tilt Boogie Band, y Janis, ya desenganchada de la heroína, pero no del alcohol, aceptó. David Niehouse quería seguir viajando por el mundo y le ofreció irse con ella, pero Janis prefirió quedarse con su audiencia y su música. Así, Janis congenió muy bien con todos los miembros de la banda, ellos la querían y ella los quería.

En verano de ese año, Janis y su banda participaron en el Festival Express, junto otros artistas importantes de la época cómo The Grateful Dead, Buddy Guy y The Band.

En una fiesta de los Hell’s Angels de San Francisco, ese mismo verano, conoció a Seth Morgan y se enamoró de él. En septiembre de 1970, se trasladó a Los Ángeles a grabar Pearl. El 4 de octubre de 1970 había sido un buen día en el estudio, y para celebrarlo salió de copas con sus compañeros y se emborrachó. Según el estudio forense, murió a la 1:40 por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla y su cuerpo fue descubierto unas 18 horas después. Todos quedaron sorprendidos, pues pensaron que Janis ya no consumía, y estaba en la mejor época de su vida.
Pasaporte de Janis Joplin (1969).

Algunas circunstancias en torno a su muerte permanecen sin explicar. La droga que la mató era de una pureza extrema (tenía el 40% de pureza, mientras que lo común es que sea de sólo el 2%), las jeringuillas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte y se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix, Jim Morrison, Kurt Cobain y Brian Jones.

A las seis semanas de su muerte, salió el disco Pearl, en 1971, que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema «Mercedes Benz» a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó; asimismo, se incluyó la canción «Buried Alive in the Blues» sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla. En el 2003, Pearl se colocó en el lugar 122 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. .[5]

El cuerpo de Janis Joplin fue incinerado en Westwood, California, y se arrojaron sus cenizas al Océano Pacífico en la playa de Stinson. Dejó en testamento 10.000 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje. Fue una artista siempre polémica que ha sido inspiración para otros grandes de la música.

Janis Joplin – Summertime (Live Gröna Lund 1969)

Ronnie James Dio (de nombre real Ronald James Padavona; 10 de julio de 1942  – 16 de mayo de 2010) fue un cantante  que alcanzó la fama y el reconocimiento por su esfuerzo y trabajo en grupos como Elf, Rainbow, Black Sabbath y DIO. Por su inconfundible técnica, timbre y registro, muchos lo han considerado una de las voces más emblemáticas de la historia del heavy metal.[cita requerida] Dentro de los clásicos fundamentales de su discografía figuran Ritchie Blackmore’s Rainbow (1975), Rising  (1976) y Long Live Rock & Roll (1978), de su etapa en Rainbow; con Black Sabbath, Heaven and Hell  (1980), Mob Rules (1981) y Dehumanizer (1992); y por último, Holy Diver (1983) y The Last in Line (1984) con su propia banda, DIO.

Historia

Nació en Portsmouth, New Hampshire, EEUU el 10 de julio de 1942, con el nombre de Ronald James Padavona. Dio sus primeros pasos en el rock and roll hacia 1956-57, cantando y tocando el bajo y la trompeta, en bandas como Red Caps y Ronnie and the Prophets. Durante la década de los sesenta, su música evolucionó del rock and roll cincuentero a un sonido con más influencias de Los Beatles, pero siempre con un toque Rythm & Blues. Hacia finales de los ‘60, su banda se convierte en The Elves, nombre que pronto mutaría a simplemente ELF. No es difícil entender por qué: Ronnie era el más alto del grupo, y eso que apenas medía 1.60 metros de estatura.

Rainbow

En 1971, dos miembros del legendario grupo inglés Deep Purple -el batería Ian Paice y el bajista Roger Glover- vieron una actuación de Elf y quedaron tan impresionados que les ofrecieron producirlos. Así, en 1972 la banda sacó su primer disco, titulado simplemente Elf, y luego acompañó a Deep Purple en una gira por Europa y Norteamérica. Más tarde, durante una gira que realizaron como teloneros de Deep Purple, el guitarrista de estos últimos, Ritchie Blackmore, vio un gran potencial en este grupo, y decidió grabar un disco al margen de Deep Purple con los miembros de Elf llamado Ritchie Blackmore’s Rainbow. Al principio este grupo no iba a realizar giras ni conciertos, pero en ese mismo año 1975 Ritchie se separó de Deep Purple y decidió dedicarse en exclusiva a Rainbow, y entonces reclutó definitivamente a Ronnie James Dio. Aparte de Ritchie Blackmore’s Rainbow 1975, Dio grabó con Rainbow Rising 1976, On Stage 1977 y Long Live Rock and Roll 1978, discos que dejaron un gran número de himnos como Man on the Silver Mountain, Long Live Rock and Roll, Stargazer, Sixteen Century Greensleeves, entre otros. Después de la grabación de Long Live Rock and Roll, Ronnie James Dio dejó el grupo, que más tarde pasaría a ser más comercial con la llegada de Graham Bonnet y dejaría de lado la imaginería medieval que abundaba en los discos que realizaron juntos Blackmore y Dio.

Etapa en Black Sabbath

Nada más dejar Rainbow Ronnie James Dio entró como vocalista en una de las más grandes bandas de los ‘70 y que había definido a principios de esa década los cimientos de lo que más tarde se denominaría heavy metal. Esa banda era Black Sabbath. Dio reemplazó a un Ozzy Osbourne que entró en tratamientos de desintoxicación por su afición a la bebida y otras sustancias. En este momento Ozzy Osbourne dijo a Dio que se asegurase de llevar chaleco antibalas si se atrevía a cantar «Paranoid» e «Iron Man» en vivo, ya que sería el mismo Ozzy quien lo matara.

Al grupo se le presentaba la difícil tarea de intentar seguir en la brecha habiendo perdido a su cantante original, no obstante, Ronnie infundió sangre nueva en la banda para que dejase el heavy metal setentero y se acercarse más al heavy metal que estaba de moda en los años 80. Con Ronnie, Black Sabbath grabó Heaven and Hell (1980), Mob Rules (1981), el directo Live Evil (1982) y Dehumanizer (1992), dejando grandes temas como Children of the Sea, Die Young, Heaven and Hell.

Carrera como solista

Después de la edición del disco en directo, Ronnie James Dio abandonó definitivamente Black Sabbath (al que volvería fugazmente en 1992 para grabar Dehumanizer), para fundar su propio grupo, llamado Dio. Dio debutó en 1983 con Holy Diver, con éxitos como Stand Up and Shout, Rainbow in the Dark, Don’t Talk to Strangers, Holy Diver… En la portada se veía a un demonio lanzando a un clérigo encadenado al mar. Dio siguió sacando grandes discos de Hard Rock y Heavy Metal durante los ochenta: The Last in Line (1984), Sacred Heart (1985), Intermission (1986) y Dream Evil (1987). Y en los noventa: Lock up the Wolves (1990), Strange Highways (1994), Angry Machines (1996) y el directo Inferno – Last in Live (1998).

Sus últimos discos de estudio han sido el conceptual Magica (2000), Killing the Dragon (2002) y Master of the Moon (2004). Durante su última gira grabó el directo Holy Diver Live (2006), disco que está presentando actualmente. Desde finales de los 70 fue él quien ha venido popularizando el popular signo del Heavy Metal, la corna o mano sacando cuernos.

Etapa final

Ronnie James Dio, a pesar de tener 67 años, continuó grabando discos, realizando giras y conciertos. Volvió a reunirse con los antiguos miembros de Black Sabbath en Heaven and Hell y realizaron una gira mundial para el 2007/2008 donde pasaron por Europa, Asia, EE. UU., México y Sudamérica.

En el 2006 tuvo una participación en la película Tenacious D: The Pick of Destiny de Jack Black y Kyle Gass, componentes del grupo Tenacious D.
Ronnie James Dio y Tony Iommi durante un concierto de Heaven and Hell, en Santiago de Chile, 2009.

En el año 2009 salió a la venta el nuevo disco de la formación de Heaven and Hell llamado The Devil You Know, este CD contiene diez canciones nuevas y será motivo para una gira mundial. El primer single de dicho album se llama “Bible Black”.

En noviembre de 2009, a Ronnie James Dio se le diagnosticó un cáncer de estómago. Su mujer y representante, Wendy Dio, fue la encargada de informar a los medios de la situación de su marido. En el propio comunicado afirmaba: “Vamos a empezar el tratamiento de inmediato en la Clínica Mayo. Después de que mate al dragón, Ronnie volverá a los escenarios, a los que él pertenece y hará lo que más le gusta: actuar para sus fans”. Sin embargo, seis meses después, el 16 de mayo de 2010, falleció a causa del avance de la enfermedad.

Con Elf

* Elf (1972)
* Carolina County Ball (1974)
* Trying to Burn the Sun (1975)
* The Gargantuan (1978) Compilatorio
* The Elf Albums (1991)

Con Rainbow

* Ritchie Blackmore’s Rainbow (1975)
* Rising (1976)
* Long Live Rock ‘n’ Roll (1978)
* Live In Germany ‘76 (1990)

Con Black Sabbath

* Heaven and Hell (1980)
* Mob Rules (1981)
* Live Evil (1982)
* Dehumanizer (1992)
* Under Wheels of Confusion (1996)
* The Sabbath Stones (1996) Sencillo

Con Dio

* Holy Diver (1983)
* The Last in Line (1984)
* Sacred Heart (1985)
* Intermission (1986)
* Dream Evil (1987)
* Lock up the Wolves (1990)
* Diamonds – The Best of Dio (1992)
* Strange Highways (1994)
* Angry Machines (1996)
* Anthology (1997)
* Inferno – Last in Live (1998)
* Magica (2000)
* Anthology, Vol. 2 (2001)
* Killing the Dragon (2002)
* Stand Up and Shout: the Dio Anthology (Elf, Rainbow, Black Sabbath y Dio) (2003)
* Master of the Moon (2004)
* Evil or Divine – Live In New York City – En vivo NYC (2005)
* Holy Diver Live (2006)

Con Heaven and Hell

* The Dio Years (2007)
* Live from Radio City Music Hall (CD & DVD) (2007)
* The Rules of Hell (2008)
* The Devil You Know (2009)

Ronnie James Dio & Yngwie Malmsteen – Dream On

Black Sabbath – Paranoid (ronnie james dio)

Glenn Hughes (Cannock, Staffordshire, Inglaterra 21 de agosto de 1951) es conocido como ex bajista del mítico grupo de hard rock Deep Purple, además como vocalista para Black Sabbath en los 80’s y para el guitarrista de estos últimos, Tony Iommi, además de por su dilatada carrera en solitario.

Años 70: Deep Purple e inicios en solitario

Grabó 3 discos memorables con Deep Purple entre 1973 y 1975 (”Burn”, “Stormbringer” y “Come Taste The Band”) tras la marcha de Ian Gillan, en la formaciones que se conocen como “Mark 3″ (junto a Paice, Blackmore, Lord y Coverdale), y “Mark 4″ (junto a Paice, Bolin, Lord y Coverdale). Su paso por la banda inglesa se caracterizó por una marcada influencia Soul, una influencia que compartía con David Coverdale y que no complacía sin embargo a Ritchie Blackmore.
Tras la desintegración de Deep Purple, graba su primer disco solista en 1977, titulado “Play Me Out”.

Años 80: Seventh Star

Tras ello, cabe destacar su recordada colaboración con Tony Iommi, en el disco de 1986 “Seventh Star”, un disco que fue editado bajo el nombre de “Black Sabbath featuring Tony Iommi”, pero que se enfocó desde un primer momento como un álbum en solitario del guitarrista, y que tuvo continuidad con un Bootleg, que circulaba de manera clandestina bajo el nombre de “Eight Star”, y que finalmente se editó en el 2004 bajo el nombre “The 1996 DEP Sessions”, y que supuso la recuperación del Tandem Iommi-Hughes, en un proyecto que recibió el nombre de Iommi.

Durante el resto de los años ochenta se sumió en una larga década de decadencia y excesos que no le permitieron continuar una línea artística estable y definida.

Años 90: reactivación
Su vuelta a la actividad estable aparece marcada con la colaboración en el disco “Face The Truth”, en 1992, del, en aquel entonces, ex guitarrista de Europe (banda en la que hoy en día toca nuevamente), John Norum. Posteriormente graba un gran disco llamado “From Now On” (1994), con varios miembros de Europe en su banda. A lo largo de la década grabó numerosos y notables discos

Años 2000: Hughes-Turner Project, “Music for the Divine” y Iommi
Ya en el nuevo milenio, es de destacar su proyecto Hughes Turner Project, con el que fuera vocalista de Rainbow y Deep Purple, Joe Lynn Turner. A lo largo de más de una década desde ese entonces hasta hoy, grabó numerosos y notables discos como los recientes “Songs In The Key Of Rock” (2003), “Soul Mover” (2005), y “Music for the divine” (2006); este último, un rotundo éxito de crítica en el que colaborarían el batería Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) y el guitarrista de Jane’s Addiction Dave Navarro, una muestra más de su eclecticismo e inclinaciones por los sonidos funk. Tras la grabación de este disco, Glenn y el baterista Chad Smith iniciarían una gira que recalaría en Europa. Tras ello Glenn graba el disco “Fused”, continuación de su colaboración con el legendario Tony Iommi, ex guitarrista de Black Sabbath.
Otras colaboraciones y apariciones

El 20 de noviembre de 1998 estuvo como artista invitado en un recital de Temple (la banda solista de Walter Giardino, guitarrista de Rata Blanca)en el teatro Coliseo tocando temas como “Burn” y otros clásicos de Purple. También participó de los conciertos que estuvo dando Rata Blanca el 11 y 12 de diciembre de 2003 en el teatro Gran Rex de los cuales se editó un DVD que salió a la venta en el 2005. Entre esos años también participó en algunos pequeños conciertos más con esta banda que no quedaron registrados.

En 2003 participó en la Metal Opera titulada “Aina: Days of Rising Doom”.y Iommi, además de por su dilatada carrera en solitario.

Discografía
Solo
* Play Me Out (1977)
* L.A. Blues Authority Volume II: Glenn Hughes – Blues (1992)
* From Now On… (1994)
* Burning Japan Live (1994)
* Feel (1995)
* Addiction (1996)
* Greatest Hits: The Voice of Rock (1996) (compilation)
* Talk About It EP (1997) (previously-unreleased live and acoustic tracks)
* The God of Voice: Best of Glenn Hughes (1998) (compilation)
* The Way It Is (1999)
* From the Archives Volume I – Incense & Peaches (2000)
* Return of Crystal Karma (2000)
* A Soulful Christmas (2000)
* Days of Avalon (VHS) (2001) (first official solo video release)
* Building the Machine (2001)
* Different Stages – The Best of Glenn Hughes (2002)
* Songs in the Key of Rock (2003)
* Soulfully Live in the City of Angels (DVD and CD) (2004)
* Soul Mover (2005)
* Freak Flag Flyin’ (2005)
* Music For The Divine (2006)
* This Time Around (2007) (compilation)
* Live in Australia (DVD and CD) (2007)
* First Underground Nuclear Kitchen (2008)

Finders Keepers

* Sadie, the Cleaning Lady (1968) (single)

Trapeze

* Trapeze (1970)
* Medusa (1970)
* You Are the Music…We’re Just the Band (1972)
* Live in Texas – Dead Armadillos (1981)
* Welcome to the Real World (1993) (live 1992)
* High Flyers: The Best of Trapeze (1996) (best of 1970-1976)
* On the Highwire (2003) (best of 1970-1994)

Deep Purple

* Burn (1974)
* Stormbringer (1974)
* Made in Europe (1975)
* Come Taste the Band (1975)
* Last Concert in Japan (1976)
* Live in London (1982)
* Singles A’s & B’s (1993)
* On the Wings of a Russian Foxbat: Live in California 1976 (1995)
* California Jamming: Live 1974 (1996)
* Mk. III: the Final Concerts (1996)
* Days May Come and Days May Go, the California Rehearsals, June 1975 (2000)
* 1420 Beachwood Drive, the California Rehearsals, Part 2 (2000)
* This Time Around: Live in Tokyo (2001)
* Listen Learn Read On (2002)
* Just Might Take Your Life (2003)
* Perks and Tit (2004)
* Live in Paris 1975 (2004)
* Burn 30th Anniversary Edition (2004)
* Live in California 74 (DVD) (2005)
* Live in London (2007) (remastered)

Tony Iommi

* Black Sabbath featuring Tony Iommi – Seventh Star (1986)
* Tony Iommi – The 1996 DEP Sessions (2004)
* Tony Iommi – Fused (2005)

Hughes Turner Project

* Hughes Turner Project – HTP (2002)
* Hughes Turner Project – Live in Tokyo (2002)

otros

* Roger Glover and Guests – The Butterfly Ball and the Grasshopper’s Feast (1974)
* Jon Lord – Windows (1974)
* Tommy Bolin – Teaser (1975)
* Various Artists – The Wizard’s Convention (1976)
* Pat Travers – Makin’ Magic (1977)
* 4 On The Floor – same (1979)
* Climax Blues Band – Lucky for Some (1981)
* Hughes/Thrall – Hughes/Thrall (1982)
* Night Ranger – Midnight Madness (1983)
* Heaven – Where Angels Fear to Tread (1983)
* Phenomena – same (1985)
* Gary Moore – Run for Cover (1985)
* Various Artists – Dragnet (Music from the Motion Picture Soundtrack) (1987)
* Phenomena II – Dream Runner (1987)
* Whitesnake – Slip of the Tongue (1989)
* XYZ – same (1989)
* Notorious – same (1990)
* Various Artists – Music from and Inspired by the Film Highlander II: The Quickening (1990)
* L.A. Blues Authority – same (1991)
* The KLF – America: What Time Is Love? (single) (1992)
* Lynch Mob – same (1992)
* John Norum – Face the Truth (1992)
* Geoff Downes/The New Dance Orchestra – Vox Humana (European version) (1993)
* Sister Whiskey – Liquor and Poker (1993)
* Marc Bonilla – American Matador (1993)
* George Lynch – Sacred Groove (1993)
* Stevie Salas – Stevie Salas Presents: The Electric Pow Wow (1993)
* Mötley Crüe – Mötley Crüe (1994)
* Manfred Ehlert’s Amen – same (1994)
* Various Artists – Smoke on the Water: A Tribute (1994)
* L.A. Blues Authority Volume V – Cream of the Crop: A Tribute (1994)
* Hank Davison & Friends – Real Live (1995)
* Brazen Abbot – Live and Learn (1995)
* Wet Paint – Shhh..! (1995)
* Richie Kotzen – Wave of Emotion (1996)
* Liesegang – No Strings Attached (1996)
* Asia – Archiva Vol. 1 (1996)
* Various Artists – To Cry You a Song: A Collection of Tull Tales (1996)
* Various Artists – Dragon Attack: A Tribute to Queen (1996)
* Amen – Aguilar (1996)
* Glenn Hughes/Geoff Downes – The Work Tapes (1998)
* Glenn Hughes, Johnnie Bolin & Friends – Tommy Bolin: 1997 Tribute (1998)
* Stuart Smith – Heaven and Earth (1998)
* Various Artists – Humanary Stew: A Tribute to Alice Cooper (1999)
* Various Artists – Encores, Legends & Paradox: A Tribute to the Music of ELP (1999)
* The Bobaloos – The Bobaloos (1999)
* Niacin – Deep (1999)
* Erik Norlander – Into the Sunset (2000)
* Tidewater Grain – Here on the Outside (2000)
* Voodoo Hill – same (2000)
* Craig Erickson Project – Shine (2000)
* Nikolo Kotzev – Nostradamus (2001)
* Max Magagni – Twister (2001)
* Various Artists – Stone Cold Queen: A Tribute (2001)
* Various Artists – Another Hair of the Dog – A Tribute to Nazareth (2001)
* Various Artists – Let the Tribute Do the Talking – A Tribute to Aerosmith (2001)
* Ape Quartet – Please Where Do We Live? (2001)
* Voices of Classic Rock – Voices for America (2001)
* Ellis – Ellis Three (E-III) (2001)
* The Alchemist – Songs from the Westside (2002)
* An All Star Lineup Performing the Songs of Pink Floyd – same (2002)
* Ryo Okumoto – Coming Through (2002)
* Jeff Scott Soto – Prism (2002)
* Various Artists – Influences & Connections, Volume 1, Mr.Big (2003)
* Hughes Turner Project – HTP 2 (2003)
* Chris Catena – Freak Out! (2003)
* Rata Blanca/Glenn Hughes Vivo (2003)
* Aina – Days of Rising Doom (2003)
* Voodoo Hill – Wild Seed of Mother Earth (2004)
* Michael Men Project – Made in Moscow (2005)
* Phenomena – Psychofantasy (2006)
* Moonstone Project – Time to Take a Stand (2006)
* The Lizards – Against All Odds (2006)
* Quiet Riot – Rehab (2006)
* Hughes/Thrall – Hughes/Thrall (remastered) (2007)
* Ken Hensley – Blood on the Highway (2007)

Conocido por su espíritu innovador, Tony Levin es el principal responsable de popularizar el Chapman Stick. Tony es un bajista altamente respetado y es citado continuamente como influencia.
Si bien su línea de bajo en el tema de Peter Gabriel Sledgehammer es prácticamente reconocida por todos, los fans y colegas del instrumento coinciden que su mejor trabajo se puede oír en el material de King Crimson.

Biografía

Tony Levin nació en Boston, Massachusetts y nació en el suburbio de Brookline. A los 10 años empezó con la música tocando el contrabajo. Ya en la secundaria, optó por la tuba, logrando el status de solista en la banda del colegio. También creó su cuarteto vocal (llamados Barbershop Quartet). Por ese entonces, tocaba principalmente con el contrabajo música clásica, logrando su momento más notable al tocar en la Casa Blanca con una orquesta juvenil para John F. Kennedy y Jackie Kennedy.
Luego asistió a la Eastman School of Music en Rochester, NY y formó parte de la Rochester Philarmonic Orchestra. En la escuela también asistía Steve Gadd, hoy en día un renombrado baterista de sesión, quien le mostró a Tony la música Rock y Jazz. Levin tuvo tanto entusiasmo que intercambió su baby bass eléctrico por un viejo Fender Precision Bass, que fue su instrumento por muchos años.

El listado de grabaciones lo dice todo, es el musico con mas trayectoria. Y esperamos verlo en accion este Jueves 11/03/2010 en Willie Dixon Blues Club.

Ian Scott Anderson

Nacido el 10 de agosto de 1947 en Dunfermline, Fife, Escocia es un cantante, compositor, flautista y guitarrista escocés, conocido por ser el líder de la banda de rock Jethro Tull.
Como flautista, Anderson es autodidacta y su estilo fue inspirado por el también flautista Roland Kirk. Sobresalen sus solos en “My God” (Aqualung), Bursting Out y “Bouree” (Living in the Past). Además de la flauta, toca otros instrumentos (ha empleado, por ejemplo, el bajo en el álbum Stormwatch, de Jethro Tull). La lista de instrumentos que ha tocado con su banda es amplia: incluye flauta, guitarras acústicas y eléctricas, bajo, saxofón, órgano Hammond, batería, teclados, trombón, gaita escocesa, gran variedad de silbatos (flautines) y violín.

Como compositor, Anderson se caracteriza por sus (frecuentemente cínicas) canciones sobre Dios, el cristianismo, la Navidad y el solsticio de invierno, especialmente en los álbumes de su banda, Jethro Tull, Aqualung y The Jethro Tull Christmas Album.

Hijo de un director de hotel, pasó la mayor parte de su infancia en Edimburgo, cuya influencia ha dominado su carrera musical desde entonces.

Su familia se mudó a Blackpool en el Noroeste de Inglaterra en 1959, donde cursó estudios secundarios antes de estudiar Bellas Artes.
Ian Anderson, durante un concierto de los Tull, en el tour por América de 2007.

Siendo un adolescente, trabajó como dependiente en unos almacenes de la cadena Lewis en Blackpool, siendo más tarde vendedor de una nueva sección. Más tarde diría que el leer ejemplares de las publicaciones musicales Melody Maker y News Musical Express le dio la inspiración para tocar en un grupo.

En 1963 formó The Blades con sus compañeros de estudios Barriemore Barlow (batería), John Evan (teclados), Jeffrey Hammond (bajo) y Michael Stephens a la guitarra. Fue una banda de soul y blues con Anderson a las voces y la armónica.

Para 1965 el grupo se había convertido en The John Evan Band con una formación mayor. Se disolvió en dos años cuando Anderson tuvo que moverse a Luton. Allí conoció al baterista Clive Bunker y el guitarrista Mick Abrahams procedentes de McGregor’s Engine. Junto con Glenn Cornick, un bajista que había conocido a través de John Evan, creó el primer germen de que sería su grupo para los siguientes 40 años: Jethro Tull.

Para entonces, ya había abandonado su idea de tocar la guitarra eléctrica. Se decantó por la flauta tras varias semanas de pruebas; pensó que podía tocarla bien dentro de un estilo blues y rock. Con esa incipiente afición grabaría su primer disco con Jethro Tull, el álbum This Was. No por ello abandonó la guitarra clásica siendo uno de los pocos rockeros en darle vida propia al instrumento de cuerdas de nylon. En su dilatada carrera musical iría añadiendo nuevos instrumentos tales como la mandolina, el saxofón, los teclados u otros más.

Su famosa pose de tocar sobre una pierna vino por accidente: había estado tocando sobre una pierna la armónica para poder sujetar con la otra el pie del micrófono y un periodista le describió por error como el flautista que tocaba sobre una pierna en el Marquee londinense. Decidió aprovechar esa fama aunque con cierta dificultad al principio. Más tarde se sorprendería al ver imágenes de varios iconos divinos tocando la flauta sobre una pierna como Krishna y Kokopelli.

Carrera musical

Tour por América de 2007.

Aun a pesar de haber publicado un pequeño número de aclamados discos y de haber hecho innumerables apariciones con otros artistas, siempre se le ha identificado como el líder de Jethro Tull.

Su imagen, fuera de dudas, ha estado ligada a dicha formación con la que ha sido estandarte de la cultura rock. Habiendo tomado inspiración en el folclore inglés también ha aparecido a veces como astronauta, pirata o vagabundo, amén de sus clásicos juglares medievales, escudero inglés o campesino escocés.

Como flautista Anderson es autodidacta: su estilo, que a menudo se basa en gran parte de fluttertonguing (frulato), y ocasionalmente cánticos y tarareos mientras toca, fue influenciado por Roland Kirk. En el 2003 grabó un tema llamado Griminelli’s Lament en honor a su amigo, el flautista italiano Andrea Griminelli.

En 1990 comenzó a trabajar con flautas de bambú. Usaba técnicas de sobre-soplo y tapado de agujeros para producir notas arrastradas y otras expresivas técnicas con éste instrumento.
Tour por América de 2007.

No conformándose sólo con la flauta también toca guitarra, bajo, bouzouki, balalaika, saxofón, armónica y una gran variedad de whistles. Ha grabado canciones en las cuales toca todos los instrumentos así como ejerce de ingeniero de sonido y productor (Another Christmas Song en 1988). Su primera ocasión en la que así lo hizo fue Locomotive Breath. Plasmó en la práctica sus ideas sobre la canción antes de expresárselas al resto de la banda, convirtiéndose en uno de los temas más representativos de sus directos.

El estilo de su música mezcla folk, jazz, blues, rock y pop. Sus letras son, a menudo, complejas, llenas de trabalenguas, ácidas críticas sobre la sociedad y la religión, o alegorías a la fantasía y/o la vida campestre o medieval.

En 1993 Ian Anderson produciría y participaría en un álbum de Yes titulado Symphonic Of Yes Music, un disco de grandes éxitos de la banda, con diversos arreglos orquestales de marcado estilo progresivo. En este disco colaborarían también los teclistas David Palmer (ex miembro de Jethro Tull), Julian Colbeck y Alan Parson, y el bajista Tim Harries, junto a The London Symphonic Orchestra y The English Chamber Orchestra.

John Paul Jones es un músico británico nacido con el nombre de John Baldwin el 3 de enero de 1946 en Sidcup, Inglaterra, conocido principalmente por haber sido integrante del grupo Led Zeppelin.

En 1960 con 14 años formó parte de un grupo de danza de su padre, Joe Baldwin, y un año más tarde creó su propia banda.

En los años 60 comenzó a ser director y arreglista de otros grupos, así como pianista y bajista, incluyendo entre éstos a los Outlaws, Mickey Most, the Mindbenders, the Everly Brothers, The Supremes, Rolling Stones, Jeff Beck, Donovan, entre otros.

Es considerado como uno de los más influyentes bajistas de rock de la historia, destaca también su gran habilidad como pianista y teclista.

Led Zeppelin

Jones dejó su trabajo como arreglista de estudio para unirse a la banda; tan pronto como se enteró de los planes de Jimmy Page, en el verano del ‘68, le preguntó si se podía unir. En su época como integrante de Led Zeppelin (1968-1980) tocaba el bajo y el teclado, además varios instrumentos para sesiones de estudio, mandolina, flauta, etc. Se encargaba de los arreglos de las canciones junto con Jimmy Page. Jones fue crucial para el éxito de la banda, responsable de varias canciones de Led Zeppelin , por ejemplo Black Dog (Led Zeppelin IV) o What Is And What Should Never Be (Led Zeppelin II). También se puede notar su influencia musical en No Quarter (Houses Of The Holy) o Trampled Underfoot (Physical Graffiti) canciones en las que solamente usa teclados. También se puede apreciar su trabajo en las grabaciones acústicas de Led Zeppelin, en las que frecuentemente tocaba la mandolina, la cual se puede escuchar en Going To California (Led Zeppelin IV) y That’s The Way (Led Zeppelin III),entre otras canciones.

Está considerado como el miembro de Led Zeppelin más inteligente y versátil, gracias a su sapiencia musical y su habilidad con la guitarra, la mandolina, el banjo, e incluso la flauta dulce, además del bajo y el teclado. El más arraigado a la familia y dotado de un sentido del humor típicamente británico, aparte de ser el más alejado de las aficiones ocultistas de Page.

Vean como va jugando con los efectos a medida que transcurre el tema.

John Paul Jones – Triple Neck Song

Video Imperdible!

Foo Fighters with John Paul Jones and Jimmy Page – Rock Roll

Es zurdo, aunque diestro tocando la guitarra. Toca la guitarra utilizando sus dedos (fingerpicking) en lugar de una púa (es decir, toca punteando y con la peculiaridad de producir un sonido limpio y propio), cuando los dedos se suelen utilizar con la guitarra clásica. Knopfler normalmente toca la guitarra eléctrica, por ejemplo la Fender Stratocaster, aunque a veces también lo hace con la acústica. Este estilo peculiar y poco practicado por los grandes guitarristas del rock, le hace característico de un sonido inconfundible, dotando a sus obras de unas armonía, matices y cadencias que beben de la música de los años 50 y 60 y que el propio Knopfler se ha encargado de evolucionar tambien con la introducción de disonancias. Mark Knopfler tiene alrededor de 70 guitarras; incluyendo:

• Varias Fender Stratocaster, incluyendo un modelo de 1954 (uno de los primeros en ser fabricados) denominado “Jurassic Strat”.
• Varias Fender Telecaster
• Varias Gibson Les Paul
• Modelos personalizados de Pensa (http://www.pensaguitars.com) (MK-1 MK-2 & MK-80)
• Varias Schecter
• National Style 0 (usada, por ejemplo, en la canción “Romeo and Juliet” y en la portada del álbum Brothers In Arms)  Una Gibson Super 400 (usada, por ejemplo, en “Your Latest Trick”) que costó 20.000 Libras.

Nació en Glasgow el 12 de Agosto de 1949. Es hijo de un arquitecto húngaro judío que huía de su país, y de madre de Newcastle. Allí se mudó con su familia a mediados de los 50. Aprendió a tocar la guitarra cuando era un adolescente. En 1966, con tan sólo 16 años, debutó en televisión cantando la canción “Chilly Winds” con Sue Hercombe. Incluso llegó a grabar una maqueta llamada “Summer’s Coming my Way” (solo en manos de coleccionistas). Tras completar su educación de literatura inglesa, se trasladó a Leeds a comienzo de los 70. Trabajaba para los periódicos Yorkshire Evening Post y el Loughton College. En esta época es cuando conoció a Steve Phillips con el que entabló amistad y grabó varias canciones de country que no verían la luz hasta 1996 cuando Steve Phillips publicara el álbum Just Pickin’ con una serie de canciones grabadas entre finales de los 60 y mediados de los 70 con distintos músicos. Steve y Mark volverían a encontrarse en sus carreras musicales con la formación del grupo Notting Hillbillies.

Mark se trasladó a Londres con su hermano, David Knopfler. Mark pasó a formar parte de un grupo llamado Brewer’s Droop que había publicado ya un álbum Opening Time. En 1973, grabaron su segundo álbum, Booze Brothers, producido por Dave Edmunds de Rockpile. Sin embargo, por diversos problemas, el álbum no fue publicado hasta 1989. Durante la grabación, Mark conoció al batería del grupo, Pick Whiters.

Una vez disuelto el grupo “Brewer’s Droop”, Mark volvió a la rutina viviendo con su hermano. En 1977, durante una fiesta, Mark conoció a John Illsley, que tocaba el bajo. Fue entonces cuando decidieron formar un grupo: Mark, su hermano David, John y el antiguo batería de “Brewer’s Broop”, Pick Withers. En un comienzo, el nombre de la banda fue “Cafe Racers”. Interpretaban su repertorio (principalmente compuesto por Mark, aunque con canciones de David y versiones de otros músicos) en los pubs de Londres, como otras muchas bandas británicas del momento (lo que acabó conociéndose como Pub rock). Finalmente, fue Pick el que propuso cambiar el nombre a Dire Straits (que en inglés viene a significar “grandes apuros” o “situación desesperada” debido a la penosa situación económica que vivían en aquellos días.

En 1978, consiguen publicar su primer álbum, titulado simplemente Dire Straits. Generó el éxito Sultans of Swing. Tras ese álbum, continuaron publicando discos a medida que el personal de la banda iba cambiando. David y Mark se enfrentaron por el protagonismo que tenía este último dentro de la banda. Durante los 80, la banda evolucionó musicalmente hacia una mayor complejidad mientas que se convertía en un conjunto de músicos más variado y más grande. En 1985, tan sólo John y Mark continuaban en la banda. Fue entonces cuando publicaron Brothers In Arms, un éxito sin precedentes que les lanzó definitivamente. Artistas de la talla de Sting y Eric Clapton colaboraron con la banda en ésta época.

Tras una etapa de silencio a finales de los 80, Dire Straits volvió comienzos de los 90 con el que sería su último álbum ‘On Every Street’, con una clara influencia country. No consiguió las mismas ventas que “Brothers in Arms” y tuvo críticas polarizadas. Finalmente, en 1995 la banda se disolvió.

Músico influido por Músicos Clásicos como Wolfgang amadeus Mozart, cuya técnica supo combinar con tonos clásicos en sus solos de guitarra (Bach, Mozart, etc.) debido a la formación de guitarrista clásico que tenía.

Desde el punto de vista técnico, destaca por su manipulación de la escala pentatónica, escala y frases de blues, y modalidades clásicas. Así como de evolucionar la improvisación al máximo en sus conciertos en directo, convirtiéndose en un referente, particularmente en los años de su agrupación Rainbow en un prócer del estilo neoclásico de los años 80.

Blackmore, criticado por su carácter temperamental y apodado “Man in Black” por su raro comportamiento tanto dentro como fuera del escenario, tuvo una gran influencia entre muchos de los guitarristas que vinieron después de él, y no sólo en su popularmente reconocida influencia clásica en el rock. Su fraseo fue siempre ejemplar, y el lenguaje de sus improvisaciones singularmente puro. Siempre ha sido un admirador de la Fender Stratocaster, guitarra que le ha acompañado a lo largo de casi toda su trayectoria musical, aunque solamente usaba, al tocar, dos de las tres pastillas del instrumento (en las posiciones mástil y puente, concretamente), lo que confiere a sus solos un tono muy particular y reconocible. El resto de su equipo “clásico” lo conforman una grabadora que ponía entre el instrumento y su amplificador, un preamplificador a válvulas y por supuesto un enorme Marshall modificado para que tuviera una salida de alrededor de 200 W. En algunas ocasiones utilizó un pedal de Flanger, especialmente reconocible en el famoso tema Mistreated (del álbum Burn, con David Coverdale) y en algunas canciones de Rainbow.

A finales de 1974, Ritchie Blackmore no se encuentra del todo satisfecho en el seno de Deep Purple. La onda funky-soul que impregnaba el estilo de la banda, motivado por la incorporación de Glenn Hughes y David Coverdale, no era de su agrado. Por otro lado, la negación del resto de la banda de interpretar el tema de Quatermass “The black sheep of the family” desencadenó el enfado definitivo de Ritchie.

Ritchie había estado en contacto con Ronnie James Dio, cantante de ELF, grupo que había teloneado a Deep Purple en su gira inglesa de ese mismo año, y con él decide formar su propia banda. Para ello incorpora a toda la banda de Dio, a excepción del guitarrista y se meten en el estudio de grabación. Con esa formación grabará el que será primer disco de Rainbow: Ritchie Blackmore’s Rainbow.

Es conocido por tocar con desmesurada intuición, lo que no debe llevar a menospreciar su bagaje teórico y su indiscutible técnica. Mayores, menores, disminuidos; cualquier modo tonal parece serle cómodo. En sus actuaciones en directo se le llegó a acusar de tocar muy sucio, pues era frecuente que empezara a golpear la guitarra a media actuación, rompiera el puente a golpes de palanca o sencillamente se dedicara a dejar sonar algunos grupos de notas mientras variaba su sonido a golpes con el instrumento. En el álbum en directo Made in Japan, que grabó con Deep Purple en los ‘70, se da una buena prueba de ello.

Es también considerado uno de los padres del Heavy Metal especialmente después de formar equipo con el vocalista Ronnie James Dio, con quien fundó Rainbow.

Curiosidades [editar]

* Ritchie Blackmore participó en el California Jam Festival con el Mark III en abril de 1974, como no había llegado a un acuerdo con la cadena ABC, al final del concierto sorprendió al público destrozando el equipo Marshall y las diversas Fender Stratocaster y una cámara de TV de la cadena y causando un incendio, lo cual provoco su espectacular huida en helicóptero.

* Su primera guitarra fue una Gibson ES-335. Más tarde Eric Clapton, (con quién posteriormente no tendría buena relación a punto tal que éste echaría a Deep Purple del tour despedida de Cream, aparentemente por los celos que le causaba la actuación de Blackmore en el escenario, robandóle minutos a la actuación de su banda), le regala una Fender Stratocaster y desde aquella se aficiona a la misma.

* El único alumno que ha tenido ha sido Eddie Van Halen

* En su juventud, Ritchie tenía mucho humor. Una prueba de ello es que cuando los fans se amontonaban en el autobús del grupo y llovía, Blackmore les vaciaba sacos de harina. Otra muestra de humor en Doing Their Things de 1970[2].

* En Viena Ritchie fue arrestado por romper la mandíbula de uno de los miembros del equipo de seguridad (que resultó ser un policía), teniendo que pagar una multa de 5.000 libras. Tras cuatro días a la sombra llegó tarde a Munich para el concierto que debían grabar para la TV y que no empezó hasta medianoche. Los teloneros hacía ya un buen rato que habían acabado y ya quedaba poca gente en el recinto. El vídeo es el famoso Munich 77.

Muddy Waters

McKinley MorganField (4 de abril de 1915 – 30 de abril de 1983), más conocido como Muddy Waters, fue un músico de blues estadounidense generalmente considerado el Padre del Blues de Chicago.

Nacido en Rolling Fork, Mississipi. Fue grabado por primera vez en una plantación del delta del río Misisipi por Alan Lomax para la biblioteca del congreso en 1940. Más tarde se mudó a Chicago, Illinois, donde cambio de guitarra acústica a guitarra eléctrica, volviéndose cada vez más popular entre los músicos negros de la época.

La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del slide. Su primera grabación para Chess Records mostraba a Waters en guitarra y vocales, apoyado por un contrabajo. Más tarde añadió percusión y la armónica de Little Walter para completar su clásica formación de blues.

Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Blues de Chicago. Hasta B.B. King lo recordaría como el “Jefe de Chicago”. Todas sus bandas fueron un quién-es-quién de los grandes del Blues de Chicago: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Carey Bell en la armónica, Willie Dixon en el bajo, Otis Spann, Pinetop Perkins en el piano, Buddy Guy en la guitarra entre otros.

Las grabaciones de Waters de finales de los 50 y principios de los 60 son particularmente buenas. Muchas de las canciones que tocó se convirtieron en clásicos: “Got My Mojo Working”, “Hoochie Coochie Man”, “She’s Nineteen Years Old” y “Rolling and Tumbling” son todos grandes clásicos, muy frecuentemente objetos de covers por bandas de diferentes géneros.

Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country. Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación.

Sus tours en Inglaterra a principios de la década de 1960 marcaron, posiblemente, la primera vez de una banda amplificada haciendo Hard-Rock allí (Uno de los críticos presentes señaló que se retiró al baño a escribir su crítica, ya que la música estaba demasiado alta). Los Rolling Stones se nombraron de esa manera por la canción de Waters de 1948: “Rollin’ Stone”, también conocida como “Catfish Blues”.[1] El gran hit de Led Zeppelin “Whole Lotta Love” está basado en la canción de Muddy Waters “You Need Love”, que fue escrita por Willie Dixon, quien escribió algunas de las canciones más famosas: “I Just Want to Make Love to You,” “I’m your Hoochie Coochie Man,” y “I’m Ready.”

Otras canciones características de Muddy Waters son “Long Distance Call,” “Mannish Boy,” y el himno del rock/blues “I’ve Got My Mojo Working” (Compuesta originalmente por Preston Foster).

Muddy Waters murió en Westmont, Illinois a los 68 años de edad, y fue enterrado en el cementerio de Restvale, en Aslip, Illinois, cerca de Chicago.

Fundó la banda Iron Maiden en el año 1975. Junto a Dave Murray, es el único miembro de la banda que ha grabado en todos los discos a lo largo de los treinta y cuatro años de la banda.

Solía trabajar como delineante de arquitectura en la zona del East London, pero lo dejó para formar Iron Maiden. A mediados de los setenta era un joven futbolista del West Ham United. Es un buen jugador, por lo que muchos de sus compañeros de la banda afirman que si no tocase el bajo se dedicaría sin duda al fútbol profesional.

Bajista autodidacta, su primer bajo (una copia de un Fender Precision Bass) lo obtuvo con 17 años por el precio de 40 libras esterlinas. Continuó utilizando un modelo “Unicorn” de la firma Lado y un Fender Precision con cuerdas RotoSound. Ahora usa sus propias cuerdas RotoSound Flatwound. Es sorprendente ya que este tipo de cuerdas no dan un sonido rechinante y claro. De hecho, el ruido metálico se produce al rebotar las cuerdas sobre los trastes, dando el peculiar estilo de Steve Harris. Fender diseñó con él un bajo con su firma, pero fue retirado del mercado por su escasa aceptación.

Ha sido influenciado fuertemente por los bajistas, Chris Squire de Yes, John Deacon de Queen, Geezer Butler de Black Sabbath y John Entwistle de The Who; Pero uno de los bajistas preferidos de siempre por Steve Harris fue Pete Way, de UFO, de quien se ha dicho que ha influido fuertemente el estilo de ejecución de Harris.

Sus anteriores bandas antes de crear la suya propia fueron Gypsy’s Kiss y posteriormente Smiler, banda en la que era mucho más joven que el resto de miembros. Aunque ninguna de las dos sacó discos al mercado siendo Harris el bajista.

El nombre de Iron Maiden se originó a partir de un instrumento de tortura medieval llamado “doncella de hierro” (Iron Maiden) que aparecia en una pelicula antigua llamada “The man with the iron mask”.

Steve Harris comúnmente utiliza un bajo de 4 cuerdas . Dice que solo usa 4 cuerdas porque son las cuerdas tradicionales y porque el sonido de Maiden cambiaria con más cuerdas.

Su estilo tocando es muy amplio y variado: desde sus famosos galopes alternando los dedos índice y corazón, hasta la ejecución de powerchords, dependiendo de la canción, además de riff complicados y melodicos como el de ¨Blood on the World hands¨, ¨Powerslave¨, ¨Phantom of the opera¨,”For The Greater Good Of God”, “Rime of The Ancient Mariner”, “Invaders”, entre otros y del ritmo que le quiera imprimir. Ha asegurado que nunca ha usado púa para tocar y que nunca realiza ejercicios de calentamiento antes de tocar. A la hora de escribir las letras toma como fuente de inspiración la Historia, la mitología o películas.

En resumen, considerado como el guía de la banda, es indudable que Iron Maiden ha llegado hasta lo más alto del panorama del Heavy Metal internacional gracias a su duro trabajo y a su determinación para llevar a cabo su sueño de éxito musical.